Archiv für den Monat Dezember 2012

Augenzwinkernde Agenten

Es gibt TV-Serien, die ich absolut überragend finde (Breaking Bad). Es gibt TV-Serien, die es einfach nicht schaffen, mich zu fesseln (Falling Skies). Und es gibt TV-Serien, die mich immer wieder überraschen. Zu letzteren zählt Burn Notice.

Die Serie handelt von Michael Westen (Jeffrey Donovan), einem amerikanischen Geheimagenten der sich eines Tages in Miami wiederfindet, ohne die geringste Ahnung, wie er dort hinkam und ohne die Möglichkeit von dort einfach wieder zu verschwinden. Die CIA hat eine „Burn Notice“ über ihn verhängt und ihn damit unehrenhaft aus seinem Dienst entlassen. Als gebrandmarkte Persona non grata wird er von seinen ehemaligen Kollegen ausgeschlossen und von jeglichen Informationen abgeschnitten. In seiner Not entwickelt er eine Geschäftsidee, bei der er trotzdem das tut, was er am besten kann: Er nutzt seine Agentenfähigkeiten um Menschen in Not zu helfen. Als Team zur Seite stehen ihm dabei sein bester Freund und ehemaliger Navy SEAL mit unzähligen Geheimdienstkontakten, Sam Axe (Bruce Campbell) und seine Ex-Freundin Fiona Glenanne (Gabrielle Anwar), die sich ausgesprochen gut mit Waffen und Sprengstoff auskennt.

Jede Folge behandelt den Fall eines (anderen) Klienten und dessen Lösung. Dabei erzählt Michael Westen aus dem Off vom Leben und Handeln von Geheimagenten. Er berichtet über die Feinheiten verschiedener Geheimidentitäten und erklärt den Bau von diversen Agententools. Wie eine Art MacGyver mit umfangreicherer Ausrüstung bastelt er Abhöreinrichtungen, Sprengsätze und weitere nützliche Dinge und schlüpft blitzschnell in verschiedene Rollen. Die spannende Hintergrundstory beschreibt Michaels Fortschritte bei der Suche nach dem Grund für die Burn Notice und nach den Personen, die diese ausgestellt haben. Außerdem erhält seine Mutter Madeline (Sharon Gless) im Laufe der Serie eine größere Rolle, als sie langsam erkennt, welchen Beruf ihr Sohn ausübt und wie sie ihn unterstützen kann.

Die Serie präsentiert sich als bunter Mix aus James Bond, MacGyver und A-Team. Alle Schauspieler präsentieren sich stets in bester Spiellaune und die Rollen scheinen ihnen wie auf den Leib geschneidert. Fans seiner Filme (Army of Darkness) dürfte es darüber hinaus freuen, Bruce Campbell wieder in Aktion zu sehen.

Die Hintergrundgeschichte und die Einzelfälle werden sehr geschickt erzählt, so dass sie nie völlig unglaubwürdig, nicht völlig überzogen und auch nicht zu lustig wirken. Dennoch spürt man in den Aktionen und Worten der Akteure ein stetiges Augenzwinkern, die Aufforderung, doch bitte nicht alles zu erst zu nehmen.

Kritiker können jede Menge Angriffspunkte finden: Ja, nach ein paar gelösten Fällen müsste die gesamte Stadt Michael und seine Freunde bald kennen und erkennen. Ja, so einfach ist das mit den Identitäten und dem lustigen Agentenspielzeug sicher nicht. Et cetera pp.

Mir persönlich macht das nichts aus. Ganz im Gegenteil, es verleiht der Serie ihren besonderen Charakter. Außerdem war schon beim A-Team und auch bei MacGyver auch alles beileibe superrealistisch. Burn Notice schafft es jedenfalls, mich immer wieder positiv zu überraschen. Immer wenn ich denke, die Serie verfällt in eine Art Gewohnheitstrott, passiert wieder etwas Außergewöhnliches, etwas Spannendes oder etwas Humorvolles, das mich weiterschauen und mich auf die nächste Folge/Staffel freuen lässt.

Hinzu kommt, dass Burn Notice oftmals Anspielungen auf andere Serien beinhaltet. Für Serienfans wie mich ist das ein gefundenes Fressen. Das beste Beispiel ist wohl eine Folge der dritten Staffel, in der Sharon Gless auf ihre ehemalige Serienpartnerin Tyne Daly (Cagney & Lacey) trifft. Mehr verrate ich nicht.

Burn Notice läuft inzwischen auch in Deutschland bereits im TV. Ich schaue diese Serie auf DVD und mit englischem Originalton. Beim Vorbeizappen im Fernsehen ist mir aufgefallen, dass dies genau die richtige Entscheidung war. Es gibt gute Synchronisationen. Ja, es gibt sie. Aber sie sind extrem selten. Burn Notice gehört leider nicht dazu. Zu monoton spricht die Synchronstimme von Michael Westen seinen Part. Zu viel von diesem eigentümlichen Augenzwinkern geht verloren. Zu gewöhnlich wirkt die gesamte Serie dadurch. Wer Englisch gut verstehen kann, dem empfehle ich deshalb unbedingt, sich das Ganze im Original anzusehen. Alleine die verschiedenen Dialekte, die Michael Westen annimmt, sind es wert. Natürlich sind das gleichzeitig auch Dinge, die man schwerlich passend ins Deutsche übetragen kann.

Generell schaue ich Filme und TV-Serien lieber im englischen Original. Wenn man sich einmal daran gewöhnt hat, fällt einem nur zu oft auf, wie schlecht manche Synchronisationen wirklich sind. Was war ich entrüstet, als ich im Fernsehen sah, dass man den „Ice Truck Killer“ aus der ersten Staffel von Dexter zum „Kühllaster-Killer“ gemacht hatte. Manches hört sich meiner Meinung nach nur noch doof an, wenn es einfach übersetzt wird. Außerdem würde ich den deutschen Zuschauern durchaus zutrauen, dass sie wissen, was ein Ice Truck ist, können sie doch in Dokumentation nachts nur allzu oft dem „Ice Road Trucker“ beim Fahren zusehen. Man muss wohl froh sein, dass man den „Killer“ nicht auch noch zum „Mörder“ machte. Englische Originale komplett und gnadenlos einzudeutschen und ihnen damit so vieles zu nehmen, ist meiner Meinung nach nicht Sinn und Zweck einer Synchronisation.

Fans von Agenten, Geheimidentitäten, flotten Sprüchen und Explosionen empfehle ich jedenfalls, Burn Notice auf Englisch anzusehen. Die Serie über den joghurtliebenden und verbal augenzwinkernden Michael Westen ist wirklich abwechslungsreich und weiß immer wieder mit neuen Ideen und geschickt platzierten Anspielungen zu punkten.

Friedliche Weihnachten

Der 23. Dezember. Für mich ist das der Tag, an dem jedes Jahr der Weihnachtsbaum geschmückt wird. Das ist bei mir in der Familie so Tradition und Traditionen soll man bekanntermaßen pflegen, besonders schöne wie diese. Ich mag den Duft, den der Weihnachtsbaum in der Wohnung verbreitet und wenn ich die Kugeln und die kleinen Figuren in den Baum hänge, erinnert mich das stets an meine Kindheit. Das habe ich schon immer gerne gemacht.

WeihnachtsbaumDoch bevor der Weihnachtsbaum geschmückt werden kann, muss er aufgestellt werden. Heute ist das alles kein Problem. Wir besitzen einen dieser praktischen Christbaumständer, die nur einen Hebel haben, mit dem man ein Seil festzurrt und damit auch die Halterungen für den Baum. Baum gerade halten, ein paar Mal auf den Hebel treten und fertig. Ratzfatz, tiptop.

Diese Art von Christbaumständern gibt es nun schon eine lange Zeit. Ich kann mich allerdings noch an Zeiten erinnern, als es nur Christbaumständer gab, in denen der Baum mithilfe von vier Schrauben befestigt wurde, von denen jede einzelne separat festgeschraubt werden musste. Das Procedere war langwierig und umständlich. Einer musste den Baum festhalten und der andere um den Ständer wetzen und die Schrauben festdrehen. Irgendwie stand der Baum nie im ersten Anlauf gerade und auch nicht im zweiten oder dritten.

Das Ganze führte regelmäßig zu Diskussionen. Hatte der Haltende gewackelt? Hatte der Schraubende etwa eine Schraube zu locker gelassen? In welche Richtung musste der Baum geneigt werden, welche Schrauben mussten verändert werden, damit der Baum gerade stand? Überhaupt: Wer hatte wie und wo eine Schraube locker?

Bevor man sich versah, waren alle Beteiligten wild und heftig am Diskutieren. Es dauerte eine ganze Weile bis der Baum so im Ständer stand, dass alle damit rundum zufrieden waren. Je mehr Perfektionisten an dem „Happening“ beteiligt waren, desto länger dauerte es und desto hitziger die Wortgefechte. Als Resultat wurde das Aufstellen des Baumes zum lästigen Unterfangen.

Beendet hat das alljährliche Drama um den Baum erst die Erfindung des besagten Christbaumständers mit dem Seilsystem. Seitdem ist das Weihnachtsbaumaufstellen völlig unproblematisch und schnell geschehen und man kann sich voll und ganz dem Schmücken widmen. Für mich persönlich ist diese Art von Christbaumständern deshalb – neben schnurlosen, batteriebetriebenen Christbaumkerzen – eine der besten Erfindungen rund um Weihnachten. Als ich meinen ersten eigenen Weihnachtsbaum aufzustellen hatte, habe ich mich natürlich sofort für einen stressfreien Christbaumständer entschieden. Baum- und sonstige Diskussionen sind absolut unnötig und der Weihnachtsstimmung nicht zuträglich.

Wenn ich mich heute an das alte „Ritual“ zurückerinnere muss ich trotzdem jedes Mal schmunzeln. Immerhin habe ich dadurch etwas zu erzählen und zwar wie aus stressigen Weihnachtsvorbereitungen friedliche wurden.

Gewaltige Anomalie

Ein Comic, der in jeder Hinsicht eine Anomalie ist, aber eine sehr positive: Anomaly. Die Macher Skip Brittenham und Brian Haberlin präsentieren mit diesem Werk etwas Neues, etwas Einzigartiges und im wahrsten Sinne des Wortes etwas Gewaltiges.

IMG_0812Alleine das riesige Buch an sich wird in jeder Comicsammlung sofort als „Anomalie“ auffallen: 370 Seiten, Hardcover, Querformat. Geliefert wird Anomaly in einem schicken Pappkarton, so dass dem guten und teuren Stück (75,00 US Dollar UVP) nichts passiert und damit der Sammler es gut verwahren kann. Links ein Bild von meinem Exemplar, aufgeschlagen. Darüber befindet sich der Karton.

Anomaly ist in keiner Hinsicht normal. Es ist groß (Format ca. 41,5 x 30 x 3,5 cm), es ist massiv (3,2 kg) – definitiv kein Buch, das man vor dem Einschlafen im Bett oder auf dem Weg zur Arbeit in der Bahn lesen kann. Alleine schon wegen dieser Ausmaße verlangt das Werk von seinem Leser, dass er sich mit ihm beschäftigt, es nicht einfach konsumiert. Man sollte es am besten an einem Tisch lesen. Anders ist es kaum zu bewältigen.

Das Artwork von Anomaly ist atemberaubend. Jede Seite ist ein einzigartiges Kunstwerk. Die Macher entfalten vor dem Leser eine facettenreiche Zukunftsvision mit allem, was das Herz eines Science-Fiction-Fans begehrt. Ich möchte an dieser Stelle gar nicht zu sehr auf die Inhalte eingehen, da ich mich selbst mit diesen noch eingehender beschäftigen muss. Eine gute Quelle für Interessierte ist die offizielle Webseite.

Anomaly ist aber nicht nur größenmäßig etwas Besonderes. Es gibt eine kostenlose App für Apple- und Android-Geräte, die das Buch um eine UAR (Ultimate Augmented Reality) erweitert. Für den Leser bedeutet das, dass er auf bestimmten Seiten interaktive Inhalte ansehen kann, wer er sie mithilfe der App betrachtet. So erscheinen auf dem Display des Smartphones beispielsweise detaillierte und nützliche Informationen über Alienrassen und Technik, gepaart mit Figuren, die quasi aus dem Buch „herauswachsen“ und die sich bewegen, wenn sie angetippt werden. Das Ganze ist wirklich spitzenmäßig gemacht und perfekt in das Gesamtkonzept eingearbeitet. Die Inhalte der UAR-App werden kontinuierlich erweitert, so dass es sich sicherlich lohnt, sich mit Anomaly mehr als einmal zu befassen.

Anomaly ist kein gewöhnlicher Comic, es ist ein Erlebnis, der Name der offiziellen Webseite ExperienceAnomaly.com besagt es schon. In den kommenden Monaten soll das Ganze um weitere Funktionen und neue Aspekte (z.B. ein Spiel) erweitert werden.

Ich persönlich bin restlos begeistert von diesem mutigen und neuen Konzept, das so vieles in sich vereint und ich bin gespannt, wie es die Macher weiterentwickeln werden. Comic- und Science-Fiction-Fans, die für eine echte Anomalie, ein Erlebnis, bereit sind, sollten sich Anomaly nicht entgehen lassen.

Kleiner Halbling, großes Kino

Lange Jahre mussten Fans von J. R. R. Tolkiens Büchern warten, bis Der Hobbit, die Vorgeschichte zu Der Herr der Ringe, endlich seinen Weg auf die Kinoleinwand fand. Nach einigem Hin-und-her machte sich Regisseur Peter Jackson, der schon die Herr-der-Ringe-Trilogie verfilmte, daran, die Geschichte um den Halbling Bilbo Beutlin zu verfilmen. (Links zu Wikipedia)

Zuerst war von zwei Filmen die Rede. Auf der diesjährigen Comic Con in San Diego wurde schließlich bekannt, dass das Projekt am Ende doch erneut drei Filme umspannen wird. Als ich dies hörte, war ich zuerst sehr skeptisch. Der Herr der Ringe besteht aus insgesamt drei Teilen/Büchern, von denen jedem ein Film gewidmet wurde. Der Hobbit ist nur ein einziges Buch, das zudem im Vergleich zu seinem Nachfolger in meinen Augen erheblich leichterer Lesestoff ist, schrieb es der Autor doch auch von vornherein für ein jüngeres Publikum.

Woher sollte also der ganze Inhalt für eine weitere Filmtrilogie kommen? Die Antwort ist inzwischen bekannt und lautet: Aus den Anhängen zu Der Herr der Ringe. Diese erklären viel davon, was in und zwischen Der Hobbit und Der Herr der Ringe in Mittelerde geschah und noch einiges darüber hinaus. Sie wurden bei der Verfilmung des letzteren Werkes fast gänzlich außen vor gelassen. Die momentanen Informationen lassen vermuten, dass die Handlung des Buches Der Hobbit mit dem zweiten Film zu großen Teilen abgeschlossen wird und dass der dritte Teil fast ausschließlich Stoff aus den Anhängen enthalten wird.

Pünktlich zur Weihnachtszeit lief nun der erste Film an: Der Hobbit – Eine unerwartete Reise (The Hobbit: An Unexpected Journey), den ich mir als großer Fan von Herrn Tolkiens Büchern natürlich nicht entgehen lassen konnte. So läutete ich den Weihnachtsurlaub mit einem ausgiebigen Kinobesuch ein. Der Film fordert seinen Zuschauern mit seinen 169 Minuten wieder einiges an Sitzfleisch ab.

Ja, der Film ist lang. Allen, die sich fragen, ob er in meinen Augen zu lang ist, kann ich aber mit einem ganz klaren „Nein!“ antworten. Peter Jackson entwickelt mit seiner Darstellung von Mittelerde einen solchen Sog, dass der Zuschauer für die gesamte Zeit einfach in dieser fantastischen Welt gefangen ist und gar nicht merkt, wie die Zeit vergeht. In meinen Augen hatte der neueste James-Bond-Streifen Skyfall mehr Längen als der Hobbit, wenngleich man die beiden Filme vom Genre her nicht miteinander vergleichen kann.

Viel wird diskutiert über die neue HFR-3D-Technologie (High Frame Rate 3D). Mir persönlich hat das Ergebnis sehr gut gefallen. Dank einer höheren Bildwiederholfrequenz von 48 Bildern pro Sekunde (im Vergleich zu standardmäßigen 24 Bildern pro Sekunde), wirken die Bilder klarer und die Landschaften erhalten eine ungeheure Tiefe. Darüber hinaus kann man mit dieser Technologie offenbar die sonst bei 3D-Produktionen oftmals ungewohnten und teilweise nervigen Tiefenunschärfen vermeiden. Der Zuschauer erhält dadurch ein einzigartiges 3D-Erlebnis und kann den Film trotzdem sehen, wie er es möchte. Die in 3D-Filmen gelegentlich auftretenden Unschärfen in der Umgebung lassen dem Betrachter oftmals gar nicht die Möglichkeit, die Landschaften und das, was um die Charaktere herum passiert, zu betrachten. Gleichzeitig ist das in meinen Augen aber genau einer der Punkte, die es so interessant machen, Filme auf der großen Kinoleinwand zu sehen. HFR 3D macht dies nun zusätzlich zu 3D-Efekten möglich. Gleichzeitig sorgt die Produktion in und für 3D dafür, dass was die Tiefe anbelangt, sowohl vor  vor und hinter der Leinwand Raum gewonnen wird. Peter Jackson nutzt in seinem ersten Film alle Räume vorzüglich aus. Der Hobbit – Eine unerwartete Reise bietet 3D-Kino at its best und ist deshalb auch für technikbegeisterte Cineasten äußerst interessant.

Wurde die Handlung des Buches wie schon bei Der Herr der Ringe für den Film verändert? Ja. Die Handlung des Films folgt nicht eins zu eins dem Buch. Der Regisseur präsentiert dem Zuschauer den Film allerdings als Erzählung des aus Der Herr der Ringe bekannten, älteren Bilbo Beutlin, als dieser gerade dabei ist, seine Erlebnisse aufzuschreiben. Darüber hinaus gibt Gandalf im Film den verschmitzten Hinweis, dass Geschichten dazu da sind, ausgeschmückt zu werden. Aufgrund dieser charmanten Präsentation bin ich persönlich durchaus bereit, die Unterschiede zur Vorlage anzuerkennen. Was mir im Großen und Ganzen auffiel ist, dass die Rollen einiger Figuren verändert, einige Aspekte aus den Anhängen hinzugefügt und einige Dinge weiter ausgeschmückt wurden. Für mich persönlich bewegt sich aber alles in einem Rahmen, den man als künstlerische Freiheit sehen kann. Schließlich gibt es auch von der Buchvorlage verschiedene Übersetzungen, über die die Fangemeinde diskutiert.

Was Peter Jackson meiner Meinung nach ein bisschen weiter herausarbeiten hätte können, ist der dem Buch so eigene Humor. Der Film kommt düsterer und getragener daher, jedoch ohne den Humor ganz vermissen zu lassen. Es gibt durchaus humorige Stellen, mehr als bei Der Herr der Ringe und das ist auch vollkommen richtig so, für meinen Geschmack hätte es an der einen oder anderen Stelle aber ruhig noch etwas mehr sein können. Durch diesen Eingriff erreichen die Macher allerdings, dass der Hobbit sich als Herr-der-Ringe-Prequel besser in das Gesamtkonzept einfügt. Dafür sind die Actionszenen aber viel rasanter inszeniert, als bei Der Herr der Ringe, was zum Teil sicherlich dem technischen Fortschritt geschuldet ist.

Sehr positiv fiel mir auf, dass die Bewohner von Mittelerde nun endlich einmal singen – zumindest die Zwerge. In den Büchern lebt Mittelerde durch seine Gedichte und Lieder. Jedes Volk hat seine eigenen. Gerade diese Lieder habe ich in den Herr-der-Ringe-Filmen schmerzlich vermisst, machen sie doch die sagenhafte Welt und ihre Charaktere noch lebendiger. Die Szene, als die Zwerge in Bilbos Hobbithöhle ankommen, dort ein Fest veranstalten und anschließend beisammen sitzen und singen, hat deshalb mein Herz erwärmt und höher schlagen lassen. Generell ist die musikalische Untermalung von Howard Shore ganz wundervoll und mehr als passend, geradezu perfekt.

Am Ende waren es in meinen Augen gerade die ruhigeren Szenen, die den Film zu einem so einzigartigen Erlebnis machen. Wenn Gandalf über Freundschaft und seine Vermutungen, wer wie Einfluss auf die Geschicke der Welt nehmen kann, erzählt und Ian McKellen großartige Schauspielkunst darbietet, bin ich in Mittelerde angekommen. Außerdem ist Peter Jackson ein absoluter Detail-Künstler. Von der Ausrüstung der Charaktere bis zum kleinsten Nebenpart (z.B. ein kleiner Ork-Bote auf einer Seilbahn) ist alles bis ins Kleinste ausgearbeitet.

Generell ist es schön, dass die aus Der Herr der Ringe bekannten Figuren von denselben Schauspielern verkörpert werden, wenngleich ich nach wie vor Hugo Weaving als Elrond für eine der größten Fehlbesetzungen aller Zeiten halte. Elrond wird in den Büchern als ausgesprochen schöner Halbelb beschrieben. Es mag ja alles Geschmacksache sein, aber ich habe ihn mir eher so vorgestellt, wie Thranduil, der am Anfang von Der Hobbit – Eine unerwartete Reise auftaucht. Die restliche Besetzung halte ich im Übrigen für äußerst gelungen. Martin Freeman spielt seine Rolle als junger Bilbo mit offenkundiger Freude an der Sache und dementsprechend sehr überzeugend.

Das Highlight des Films war für mich die Szene, in der Bilbo auf Gollum trifft. Atemberaubende Tricktechnik und ein überragender Andy Serkis machen eine unglaublich detaillierte Darstellung dieser zutiefst in sich zerrissenen Figur möglich, bei der der Zuschauer wie auch Bilbo zwischen Verwunderung, Respekt, Angst und Mitgefühl hin und her gerissen wird. Hier wird sich kein Kinobesucher einer emotionalen Reaktion erwehren können.

Peter Jackson zeigt mit Der Hobbit – Eine unerwartete Reise wieder einmal sein einzigartiges Gespür und seine Leidenschaft für Tolkiens Werke. Er hat ein großartiges Kinoerlebnis geschaffen, das ich Fans und Mittelerde-Neulingen gleichermaßen ans Herz legen möchte. Ich bin mittlerweile der Meinung, man hätte Herrn Jackson die Möglichkeit geben sollen, aus Der Herr der Ringe mehr als drei Filme zu machen. Zu viel wurde selbst in der Extended Edition gekürzt (Tom Bombadil) und augenscheinlich auch aus Zeitgründen verändert (Armee der Toten). Denn es sind weniger die Schlachten, als die ruhigen Szenen, in denen man ganz und gar in Mittelerde ankommt und die unglaubliche Tiefe und Komplexität dieser Welt klar vor Augen hat. Fragt man mich nach meinem Gesamturteil, so recke ich alle Daumen, die ich habe, nach oben und ich freue mich schon jetzt auf den zweiten Teil Der Hobbit – Die Einöde von Smaug (The Hobbit: The Desolation of Smaug), der jedoch leider noch ein ganzes Jahr auf sich warten lässt.

Von Essenswächtern und Erleuchtungen

Wenn ich lese, dass Foodwatch sich wieder einmal zu irgendetwas geäußert hat, kann ich mir mittlerweile ein präventives Stirnrunzeln kaum verkneifen. Regelmäßig rege ich mich über die Feststellungen und Erkenntnisse des gemeinnützigen Vereins auf, der auf seiner Webseite unter dem Motto „Die Essensretter“ für seine Kampagnen wirbt. Die Wächter von Foodwatch haben es sich als Ziel gesetzt, die Werbelügen der Lebensmittelindustrie schonungslos aufzudecken und die Verbraucher zu schützen. Prinzipiell ist das ein lobenswertes Vorhaben. Was dabei herauskommt, sind meiner Ansicht nach jedoch nicht mehr als banale Allgemeinplätze.

Ein gutes Beispiel ist die aktuelle Kampagne von Foodwatch gegen Cerealien und Frühstücksflocken, die speziell Kinder ansprechen sollen oder in irgendeiner Weise als für Kinder geeignet gekennzeichnet sind. Der Stern berichtete am 17. Dezember 2012 in einem Artikel auf seiner Webseite darüber.

Dass man Kinder nicht schon früh an viel Zucker und zu süße Lebensmittel gewöhnen soll, ist richtig, aber die Tatsache, dass die meisten Cerealien – und dabei spielt es keine Rolle, ob sie für Kinder oder für Erwachsene entwickelt wurden – im Grunde zu viel Zucker enthalten, ist keine Neuigkeit. Das war schlichtweg schon immer so. Aus was soll die weiße Kruste auf den bereits eine gefühlte Ewigkeit auf dem Markt befindlichen Kellogg’s Frosties bitte sonst sein? Wer etwas, das er seinen Kindern zu essen gibt, immer zuerst einmal selbst testet, wird schnell feststellen, wie süß es schmeckt, seien es Cerealien oder andere Lebensmittel. Das wiederum kann ja nur an Zucker oder anderen Süßungsmitteln (die alle nicht minder ungesund sind) liegen.

Generell würde ich, trotz aller Nachteile und Gefahren, davon abraten Cerealien generell zu verurteilen. Kinder können meiner Meinung nach ruhig ein paar süße Frühstücksflocken essen, solange die restliche Ernährung stimmt. Eine kleine Portion Cerealien ist noch weniger schlimm, wenn sie als Frühstück beispielsweise mit Obst und einem Vollkornbrot kombiniert wird. Ich selbst habe als Kind schon süße Cerealien als Frühstücksbestandteil gegessen und es hat mir, zumindest soweit ich es beurteilen kann, nicht geschadet. Man muss alles immer relativ betrachten.

Ich bin kein Freund von falschen Werbeversprechen, und ich bin auch der Meinung, dass auf diversen Produkten (nicht nur auf Lebensmitteln) mit zu großen Versprechen geworben wird, die am Ende nicht eingelöst werden können. Allerdings ist Schönreden doch die Kernaufgabe von Marketing und Werbung. Diese simple Tatsache ist kein Geheimnis und sollte mittlerweile jedem Verbraucher ausreichend bekannt sein. Zu oft und zu viel werden wir überall und jeden Tag mit Werbung aller Art konfrontiert – egal ob online oder offline, ob mit Bildern oder ohne.

Die entscheidende Frage, die ich mir bei den Kampagnen der „Essensretter“ stelle, egal ob sie Frühstücksflocken oder andere Lebensmittel betreffen, ist: Für wie unmündig und unwissend hält Foodwatch uns eigentlich?

Eltern, denen ihre Kinder am Herzen liegen, informieren sich über gesunde Ernährung und wollen ihnen eine solche bieten. Generell halte ich die Masse der Verbraucher heute für so schlau, dass sie nicht blind alles glaubt, was ihr auf Produktverpackungen und in der Werbung vorgekaut wird. Dafür sind einfach zu viele Informationen zu leicht für jeden verfügbar. Ich halte die große Mehrheit für clever und mündig genug, zu verstehen, dass etwas, was süß schmeckt, nicht unbedingt gesund ist und dass Zusatzstoffe, egal was sie (angeblich) bewirken sollen, keine Alternative zu Vitaminen und Mineralien sind, die ganz natürlich in ausgewogener Nahrung vorkommen. Soviel Eigenständigkeit muss man den Konsumenten zutrauen und ich sehe es auch als Pflicht der Verbraucher und insbesondere von Eltern an, sich umfassend zu informieren und sich mit ihrem Konsumverhalten und dem ihrer Kinder zu befassen.

Warnungen sind gut, allerdings habe ich ein großes Problem mit überflüssigen Informationen, wie sie Foodwatch farbenfroh aufbereitet und als regelrechte Erleuchtungen präsentiert und ich habe ein Problem mit unnötiger Panikmache wie bei den Weihnachtlichen Warentests. Es wäre einfach schön, wenn die Warentester, Verbraucherschützer und Medien ihrem Publikum etwas mehr zutrauen würden und wenn sie endlich aufhörten an der falschen Stelle, mutmaßlich mehr um die eigene Existenz zu rechtfertigen als aus wohlwollenden Gründen, Dinge so schrecklich aufzubauschen.

Ende gut, alles gut?

Egal ob bei Filmen, TV-Serien oder Comics, der Gesamteindruck steht und fällt oftmals mit dem Ende, dem Abschluss, dem Finale – ganz unabhängig davon, ob es ein Happy End ist, oder nicht.

Eine Comicserie, die vor einigen Wochen ihren Abschluss fand, ist The Boys. Erdacht und geschrieben wurde dieses Werk von Comic-Mastermind Garth Ennis (siehe auch Comic Book DB), der bekannt ist für seine unkonventionellen Geschichten, die nie zimperlich und oftmals mit brachialen sprachlichen und optischen Mitteln erzählt werden. Die Serie handelt von einer Welt, in der es Superhelden gibt, die allerdings gar nicht so heldenhaft sind, wie sie eigentlich sein sollten, und von einem geheimen Team, das diesen „Helden“ und ihren Hintermännern das Handwerk legen soll. Mehr will ich an dieser Stelle gar nicht verraten. Ich kann die Serie allen Comiclesern, die nicht vor derbem Humor und expliziten Bildern zurückschrecken, nur empfehlen. Mich hat The Boys über 6 Jahre von Heft zu Heft sehr gut unterhalten.

Als bekannt wurde, dass die Serie mit Heft 72 enden sollte, überkam mich sofort ein mulmiges Gefühl. Eine Serie, die mit jedem Heft in Sachen Story, Ideen und Brutalität neue Maßstäbe zu setzen versucht, kann nur mit einem großen Knall zu Ende geführt werden. Alles andere würde sich nicht richtig anfühlen. Der große Knall kam, mehrfach sogar, sehr zu meinem Vergnügen. Als ich die letzte Seite gelesen und das letzte Heft zugeklappt hatte, verblieb das Gefühl, dass hier alles richtig gemacht wurde. Das Ende war krass und es war richtig so. Aber trotz aller erzählerischer Lautstärke hat der Autor genug Raum gelassen, um alle Story-Enden zusammenzufügen und das Ende vom Ende reduzierter ausklingen zu lassen. Für mich präsentiert The Boys das Paradebeispiel eines zufriedenstellenden und echten Endes. Ich werde die Serie vermissen, aber gleichzeitig weiß ich, dass sie zu Ende ist und es eigentlich (sag niemals nie) kein weiteres Heft mehr geben kann. Wäre das Ende anders, bzw. offener ausgefallen, wäre ich sicherlich enttäuscht gewesen.

Dass ein Ende im Umkehrschluss aber auch nicht zwangsläufig alles ruinieren muss, hat mir eine Fernsehserie bewiesen: The Sopranos. Die großartige Geschichte der Mafiosofamilie Soprano endete mit Staffel 6. Die letzte Szene präsentierte ein Ende, das zugleich nichts und alles sein konnte. Es war ein offenes Ende. Ehrlich gesagt ist mir noch kein offeneres Ende untergekommen. Ich kenne Leute, die sind begeistert von diesem Ende, ich persönlich bin es nicht.

Der Grund dafür, dass das Ende von The Sopranos so konzipiert wurde, ist dass zu dem damaligen Zeitpunkt nicht sicher war, ob die Serie in irgendeiner Form fortgeführt werden sollte. Es war von Kinofilmen die Rede. Diese Idee wurde im Nachhinein aber offenbar recht schnell verworfen. Obwohl mir das Ende überhaupt nicht gefällt, ich es jedes Mal, wenn ich daran denke, noch immer als äußerst unbefriedigend empfinde und mich in Tiraden ergehen könnte, wie man es in meinen Augen hätte besser zu Ende bringen können, finde ich den Rest der Serie mehr als gelungen. Die Preise, die The Sopranos bekommen hat (Emmys, Golden Globes), wurden zu Recht vergeben. Das Ende hat das Gesamterlebnis für mich zwar leicht geschmälert, allerdings nicht so sehr, dass ich den Rest der Serie dafür komplett verurteilen könnte. Mutmaßlich liegt dies auch an der Länge der Serie und daran, dass das Positive alleine schon dadurch überwiegt.

Es gibt aber auch Enden, die mir persönlich den Rest von etwas komplett ruiniert haben. So erging es mir beispielsweise mit dem Film The Hangover. Die Kritiker und auch die Mehrzahl der Zuschauer liebten diese Komödie. Auch in meinen Augen war der Film nicht unlustig, allerdings empfand ich den ziemlich am Anfang gesetzten Hinweis auf das Ende ziemlich plump. Dafür, dass die Suche nach dem vermissten Freund den kompletten Film einnimmt und alles so dermaßen übertrieben aufgebauscht wird, hatte ich mir irgendwie eine großartigere und raffiniertere Auflösung gewünscht. Den ganzen Film über dachte ich mir (Achtung Spoiler für alle, die den Film noch nicht kennen): „Bitte, bitte, lass ihn nicht auf dem Dach sitzen.“ Und wo saß er? Natürlich auf dem Dach! Wo auch sonst?! Denn sonst hätte der Hinweis auf die Tür, die mit dem Stein aufgehalten werden muss, auch keinen Sinn ergeben (Spoiler Ende). Das Ganze hat mir am Ende jedenfalls so sehr missfallen, dass es mir den kompletten Film verhagelt hat.

Ende schlecht, alles schlecht. Das gibt es also durchaus auch.

Zu meinen derzeitigen Lieblingsfernsehserien zählen Breaking Bad und Dexter. Beide handeln von hoch kontroversen und komplexen Charakteren. Für beide steht, soweit ich informiert bin, bereits ein Ende fest. Die Geschichte um die faszinierende Charakterentwicklung von Walter White endet mit Staffel 5 und der „Bay Harbor Butcher“ treibt nur noch bis zum Ende einer achten Staffel sein Unwesen in Miami.

Sowohl Breaking Bad, wie auch Dexter leben vom Spiel mit den Begriffen „gut“ und „böse“, die im Verlauf der Serien immer wieder neu definiert und hinterfragt werden. Die dunklen Seiten der Hauptcharaktere können vom Zuschauer nicht einfach ignoriert werden. Das hat jedoch zur Folge, dass diese Serien quasi nach einem richtigen, einem endgültigen Ende verlangen. Wenn ich daran denke, wird mir schon etwas mulmig.

Werden die Macher es schaffen, einen sinnvollen Abschluss zu finden? Ich persönlich bin bei beiden Serien was das anbelangt zuversichtlich, schon aufgrund ihrer bisher meiner Meinung nach anhaltend guten Qualität, und ich bin ehrlich gespannt wie ein Flitzebogen.

Am Ende des Tages ist ja alles doch auch wieder Geschmacksache. Die einen mögen es, die anderen nicht und jeder muss am Ende für sich selbst entscheiden ob „alles gut“ ist. Ich persönlich finde es allerdings sehr spannend, darüber nachzudenken, wie verschieden Enden sein können, wie gegensätzlich man sie empfinden kann und wie unterschiedlich sie sich auf ein Gesamterlebnis auswirken können, ganz egal durch welches Medium uns dieses vermittelt wird.

Fremde Planeten, gefährliche Planeten

Viele Comics wandern jede Woche über die Ladentheke des Comicshops meines Vertrauens, hinein in Tüten und anschließend zu mir nachhause, wo sie gelesen und meiner Sammlung zugeführt werden. Darunter befinden sich regelmäßig auch Direktimporte aus den USA. Eine Comicserie ist mir in den letzten Monaten dabei besonders positiv aufgefallen:
Planetoid, geschrieben und gezeichnet von Ken Garing (Link zu Ken Garings Blog).

Die Geschichte von Planetoid ist eigentlich eine typische Sci-Fi-Story. Silas, ein ehemaliger Soldat und Weltraumpirat, landet als einziger Überlebender einer Raumschiffbesatzung auf einem fremden Planeten not. Dieser entpuppt sich als äußerst gefährliche Umgebung in der Silas, der anfangs nur von dem in seinem Anzug integrierten Computer-Assistenten Richter begleitet wird, vor immer neue Herausforderungen gestellt wird.

Die Story wirkt wie ein bunter Mix aus Terminator, Dune und anderen, bereits existierenden Zukunftsvisionen, allerdings werden die bekannten Elemente auf eine ganz eigene und immer wieder überraschende Art zusammengebracht. Ken Garing erzählt seine Geschichte so abwechslungsreich, dass der Leser nie vorhersehen kann, was im folgenden Heft geschieht. Genau das ist es, was Planetoid in meinen Augen zu einem besonderen Leseerlebnis macht: Jedes Heft ist anders.

Wurde Silas Geschichte im ersten Heft noch fast ausschließlich in Bildern und mit sehr wenigen Worten erzählt, wird sie in den folgenden Heften rasanter fortgeführt, jedoch nicht ohne an den richtigen Stellen wieder zur Ruhe zukommen und sich wichtigen Elementen zu widmen, mit denen die Charaktere und ihre Eigenschaften und Wesenszüge vertieft werden. So ist mir beispielsweise eine Passage besonders im Gedächtnis geblieben, in der Silas zusammen mit anderen eine große Säule zu bergen versucht. Mithilfe der darauf wachsenden Pflanzen sollen in der rauen Umgebung des Planeten Wasser und Nahrung gewonnen werden.

Ken Garing arbeitet bei seinen Zeichnungen viel mit Licht und Schatten. Die Figuren und ihre Unterschiede werden detailliert herausgearbeitet, allerdings auch nicht bis ins kleinste Detail, so dass dem Leser stets ein gewisses Maß an Fantasie zur Vervollständigung im Geiste überlassen wird.

Comic-Fans, die das Science-Fiction-Genre mögen, an englischsprachigen Comics interessiert sind und eine Möglichkeit haben, diese zu beziehen, kann ich Planetoid nur empfehlen. Bisher sind von Planetoid bei Image Comics insgesamt 4 Hefte erschienen. Der erste Storyabschnitt soll mit Heft 5 beendet, die Serie danach aber fortgeführt werden. (Quelle: Wikipedia)